ENTREVISTA A JAVIER CORSO /// Fishshot

 Javier Corso

Centro Cultural de Noáin: Fishshot es un proyecto documental, fotográfico y audiovisual que retrata la soledad y los problemas de violencia y alcoholismo que afectan a la sociedad finlandesa. ¿Qué dificultades habéis encontrado en el camino? ¿Habéis bebido Fishshot para entender la problemática en vuestra propia piel?

Javier Corso: En el transcurso del reportaje nos hemos aproximado mucho a los personajes retratados. En algunos casos eso significa haber invertido horas acodado en la mesa del bar, compartiendo algunas palabras y muchos silencios con personas, que de forma progresiva se abren a ti y te cuentan sus historias. El hecho de no ser finlandeses nos ha abierto muchas más puertas de las que nos ha cerrado, precisamente debido a la timidez que existe entre ellos tanto para preguntar como para responder y hablar abiertamente de temas personales. La mejor carta de presentación acostumbraba a ser una sonrisa en la cara y una gran jarra de cerveza en la mano. También probamos el Fishshot, una bebida autóctona hecha a base de vodka y caramelos “Fisherman’s Friends”, y que da título a nuestro proyecto.

C.C.N: Visitaste este país buscando su cara oculta ¿Cómo te recibieron los finlandeses? ¿Cómo han recibido tu trabajo y tu investigación?

J.C: Trabajamos codo con codo con muchas de las organizaciones, independientes y gubernamentales, que se dedican al estudio y prevención del consumo excesivo de alcohol. Les sorprendió gratamente que un equipo de españoles estuviera interesado en explorar esta problemática y no se quedaran únicamente con la versión del país que se tiene de puertas hacia fuera. Lo cierto es que nos pusieron las cosas muy fáciles a la hora de concertar entrevista con expertos y facilitarnos datos resultado de sus investigaciones. Fuera de este ámbito, amigos y conocidos autóctonos a quienes hicimos partícipes del proyecto se mostraron muy interesados en nuestra labor, y señalaron que un trabajo de estas características podría resultar más complicado hecho por un Finlandés.

C.C.N: Tus fotografías cuentan historias, esconden misterios, podrían ser los fotogramas de una película de Bela Tarr ¿Cómo ha influido el cine en tu obra?

J.C: Hay más influencia del cine y la literatura, la música o la poesía en este trabajo que referentes fotográficos. Eso se debe a que mi planteamiento para obtener muchas de estas imágenes es sugerirle algo al espectador, inducirle a un sentimiento o una reflexión. La fotografía puede hacerlo, hay muchos y variados ejemplos en todos sus campos, pero yo he encontrado a los autores indicados para dar con las atmósferas o los símbolos en otras disciplinas. Así se da el caso de que el cine de Kaurismäki sea una clara referencia en los ambientes de interior, o que no exista una introducción en el libro, y en cambio un poema haga las veces de epílogo.

C.C.N: Una persona camina sin rumbo a través de un campo, otro mira con tristeza por una ventana de un bar, un pintoresco vendedor ambulante da gritos con un megáfono de hojalata y un joven amenaza al espectador con los nudillos tatuados… Todas estas personas que encontraste en tu viaje a Finlandia posaron para ti o captaste un momento real de sus vidas?

J.C: Esas personas estaba allí, haciendo lo que hacen habitualmente, yo me limite a inmortalizar hábitos y rutinas. En algún caso acompañé a alguno de mis protagonistas en un paseo, les pedí que me llevaran en barca o les acompañé a pescar, pero precisamente en todas esas imágenes es el entorno el que tiene el peso, y el individuo juega un papel menor, el de la figura aislada. En cambio, en todas las imágenes en que el gesto es importante y la fotografía recae sobre el personaje, las acciones son fortuitas, pero había que estar allí (en el antes y el después) para captarlas.

C.C.N: Has venido desde Barcelona hasta Noáin para exponer en el Centro Cultural, ¿ha merecido la pena el viaje? ¿Cuáles son tus próximos viajes /próximos proyectos?

J.C: Definitivamente ha valido la pena. Yo no conocía el centro hasta que di con la convocatoria EMERGENCIAS 2015, en ese momento empecé a investigar y a reconocer a algunos de los autores que habían sido galardonados con anterioridad. Decidí participar por las posibilidades de intervención que ofrece la sala de exposiciones, de grandes dimensiones y con posibilidad de incluir en el mismo espacio las tres vías de las que se compone el proyecto. He quedado encantado con el resultado y con el trato recibido, pocas veces se podrá ver FISHSHOT como en el Centro Cultural de Noáin.

En la actualidad estoy gestionando la difusión de mi último proyecto realizado junto a un cámara y una periodista sobre el tráfico ilegal de gasolina entre Nigeria y Benín. Pronto empezaremos a publicarlo y emitirnos a nivel nacional, y tenemos en mente producir una exposición itinerante en la que pueda verse el conjunto del proyecto.

C.C.N:Gracias por venir, desde aquí seguiremos tu prometedora carrera

ENTREVISTA A NEREA DE DIEGO /// Puesta en escena de colección (lab)

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CENTRO CULTURAL DE NOÁIN: ¿Cuál fue ese momento en que tuviste en tus manos la primera figura de la virgen y supiste que iba a comenzar tu colección? ¿Tuviste una iluminación mariana?

NEREA DE DIEGO: Primero fueron las fotografías, comencé a registrar altares populares en Italia. Estaba de Erasmus en Bolonia y en las calles había muchos altares, llenos de ofrendas. Eso fue lo que llamó mi atención, la virgen no me  ilumino, por supuesto, en la primera foto que tomé ni siquiera se veía. Lo que me atraía, y me sigue atrayendo, era la profusión de flores, velas, exvotos dejados ahí, en la calle, por personas desconocidas. De estos altares populares la gran mayoría son marianos, hay una proporción muy baja dedicados a cristo o a santos. Y eso también me hizo interesarme por esa devoción a la virgen, tan popular y paradójica; y sus representaciones.

La idea de que hay una colección llega después, cuando ya hay una serie.

 

CCN: Durante un mes el Centro Cultural se ha convertido en tu estudio o laboratorio, donde pones y quitas, cuelgas y descuelgas, mueves y organizas tu nutrida colección de imágenes y figuras de la virgen. ¿Crees que conseguirás definir la puesta en escena definitiva de tu colección o este hecho es imposible?

NDD: Por supuesto que no, no es mi objetivo. Todo lo contrario, he encarado el proyecto de este modo precisamente por la imposibilidad de concluirlo. La colección es inconclusa por naturaleza por lo que me resultaba muy difícil imaginar un resultado para mostrarla. Llevo mucho tiempo con ella, a veces aflora más en mi obra y otras está latente, pero está ahí desde hace casi 20 años. En este momento me interesa investigar sobre sus posibilidades, para eso necesito un contexto, la sala de Noain en este caso, en el que jugar con las piezas, ensayar y ponerlas en escena; pero no es una obra cerrada, que se vaya a quedar así. Si la muestro en otros contextos cambiará.

 

CCN: Este uso de la sala de exposiciones como laboratorio  (desordenado e inconcluso) de alguna manera desacraliza el espacio de exposiciones convencional. ¿Qué opinión te merecen las galerías o salas de exposiciones, están abiertas a las nuevas formas que está tomando el arte contemporáneo?

NDD: Resulta difícil generalizar, pero vosotras sois un ejemplo de que sí que están abiertas, algunas al menos. Sigue leyendo

ENTREVISTA A ANTONIO BAREA /// UAV-Unmanned Aerial Vehicle–

Antonio Barea

Centro Cultural de Noáin: UAV -Unmanned Aerial Vehicle- recoge tu particular visión del paisaje motivado por los acontecimientos de la historia en los que el hombre es capaz de superar la escala humana y ver el mundo desde otra dimensión. En el proceso de creación de las obras adquiriste un dron ¿Sentiste la sublimación por la experiencia de la vista aérea?

Antonio Barea: Francamente, no. Sin embargo la búsqueda de ese nuevo sehnsucht ha sido apasionante e intensa. Normalmente no busco conseguir objetivos, sino más bien desarrollar procesos o establecer conexiones entre elementos distantes, a fin de cuentas, intento continuar “deseando desear encontrar”. Que aparezca la figura del drone en el proyecto, tiene que ver con una posible similitud  entre  la mirada ante el paisaje, de los paisajistas románticos del s.XVIII y los actuales operadores de drones. En ambos casos, tanto la lejanía del acontecimiento  como la presencia del observador son notables.  Das eismeer, tela de Caspar David Friedrich, previamente conocido como Escena imaginada en el Mar Ártico: barco naufragado entre masa de hielo a la deriva, quizá sea el punto de inflexión entre el observador romántico y el operador de drone. Ambos contemplan la escena del desastre (Naufragio y territorios arrasados), experimentan el paisaje y por supuesto enmarcan la escena, ya sea en el lienzo o en la pantalla.

C.C.N: Si pudieras volver a nacer ¿quién de estas personalidades querrías ser: Le Corbusier, Felix Baumgartner, Gaspard-Félix Tournachon (Nadar), Philippe Petit o David Friedrich? ¿Y por qué?

A.B: En cierto modo, no me gustaría volver a nacer, pues eso implicaría desproveer a la vida de su aliciente más preciado, esa unicidad que nos lleva a afrontarla intensamente. Sin embargo si estaría dispuesto a beberme un coupage  que incluyese la sensibilidad de Friedrich, la perspicacia de Le Corbusier, la intuición de Nadar, el equilibrio de Petit y la valentía de Baumgartner.

C.C.N: La exposición se compone de varias esculturas, fotografías, objetos, dibujos, grabados, vídeos, lo que demuestra que eres un artista versátil y multidisciplinar. ¿Valoras el carácter manual o artesanal de una obra de arte o esto es algo secundario para ti?

A.B: Valoro todo atisbo de creatividad, sea manual, mecánico, informático…etc, Sigue leyendo

ENTREVISTA A VÍCTOR SOLANAS-DÍAZ /// ON THE TIME AND THE INSTRUMENTAL FACTOR

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Centro Cultural: Estudiaste Bellas artes y te especializaste en pintura. ¿Cómo fue ese momento en el que decidiste no coger nunca más un pincel? ¿Cómo te enamoraste de la cinta adhesiva, fue flechazo o se produjo con el tiempo?
Víctor Solanas Díaz: En realidad cojo los pinceles a menudo pero este proyecto con cinta adhesiva no requiere de otros materiales. Suelo pintar o dibujar según las necesidades de la obra que quiero hacer. Al final, el medio es solo un elemento, condicionante y que debe ser controlado, pero solo un elemento en el proceso de creación. Lo esencial es aquello que quieres hacer, representar o decir. En este caso la cinta adhesiva es la protagonista.

C.C: Usas cinta adhesiva de advertencia, de franjas amarillas y negras. ¿Cuál es la advertencia que nos das antes de ver tus obras?
V.S.D: Primero dar un vistazo general al montaje y después entrar a valorar el aspecto estructural de las obras, tanto de las intervenciones como de las piezas individuales. Se trata de acercarse a un tipo de obra que inicialmente parece sencilla por su inmediatez e impacto para el espectador pero que está elaborada siguiendo procesos estructurales muy detallados y precisos.

C.C: Las estructuras binarias que utilizas tienen relación con las composiciones musicales ¿Qué música se oye al ver tus murales? Sigue leyendo

ENTREVISTA A PEIO IZCUE BASAIL ///// BASO HIL

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Centro Cultural: Baso Hil o Bosque muerto es el título de esta exposición. La idea del paso del tiempo y de la muerte está muy presente en todas las obras ¿Cómo de presente está en tu vida?

Peio Izcue: Creo que el arte se debe ocupar de las cosas que verdaderamente importan, y creo que a la mayoría de la gente estas cosas le importan mucho. En lo personal son temas evidentemente importantes,  y en lo colectivo creo que es importante hablar de ellos, ya que la sociedad actual (el capitalismo mejor dicho), nos hace vivir de espaldas a ello. Ignora totalmente la muerte, la ha desalojado de la vida publica, y parece que tuviésemos que vivir en un anuncio constante, jóvenes, sanos y guapos. Y claro, como la  vida no es así, eso genera mucho sufrimiento…

C.C: Para los que no han visitado la exposición todavía…¿qué significan estas palabras: MOLGER, EISTELLUNG, BASO HIL?

P.I: MOLGER: es un tipo de espejo de la marca Ikea. Es un pequeño chiste, una alusión a la metáfora del espejo.

EISTELLUNG: es una tendencia del cerebro a aferrarse a las mismas soluciones conocidas en lugar de buscar otras diferentes. Quizá suene un poco pedante el término, pido perdón.

BASO HIL: quiere decir “bosque muerto” en euskera. Es una alusión al origen, no se cierto o no, de mi apellido materno “Basail”. Es también una alusión a la naturaleza del medio fotográfico, que dice que solo es capaz de fotografiar futuros cadáveres, naturaleza muerta en definitiva.

C.C: Dices que para la fotografía sólo es posible el género de la naturaleza muerta y que una fotografía es como un cadáver. ¿Qué haces si alguien te quiere sacar una foto? ¿Te resistes?

P.I: Bueno, creo que es bueno conservar fotografías a modo de recuerdo. El que yo vaya a ser un cadáver en unos años es independiente de que me saquen fotografías o no…

 C.C: Con Baso Hil usaste imágenes de los archivos del lugar donde trabajas, dejaste de hacer tus propias fotografías ¿Por qué?

P.I: El uso de las imágenes que nos rodean como materia prima para trabajar, creo que es ya inevitable. No importa demasiado quién haya sacado la foto, importa el discurso y las posibles lecturas, creo yo.

También fue una época en la que estaba leyendo a Fontcuberta (un buen resumen es su manifiesto postfotografico), que abogaba por una ecología de la imagen. Viéndolo con perspectiva, creo que es irrelevante si alguien añade más fotos al mundo o no. Hay tantas que el efecto es despreciable. Lo importante creo yo que es ir a la contra, al menos en el discurso, de esa vorágine incesante de consumo.

 C.C: En tu obra hay múltiples referencias a lo religioso ¿Es una crítica?

P.I: Creo que lo religioso tiene su parte “moral” y controladora que es despreciable, pero mi opinión es que lo religioso, en el sentido de juntarse en comunidad para hacer rituales, para compartir miedos, para celebrar, creo que es algo que se debería mantener y recuperar, porque el capitalismo se lo está cargando.

C.C: Te interesan las huellas, el rastro que dejamos en nuestra vida cotidiana. Esta exposición también dejará huella cuando termine (algún clavo en la pared, los carteles y tarjetas, el número de visitantes registrado en una hoja de asistencia…) ¿Cómo quieres que la recordemos?

P.I: El primer día de la exposición hice una visita guiada con unas mujeres que dan clase de pintura en el Centro. Cuando les expliqué que esta fotografía la había hecho al limpiar la vitrocerámica, me dijo que no tenía ni idea de limpiar, que echaba demasiado “producto”.

Me gustaría que me recordaseis, así, como alguien majo, pero que no tenía ni puta idea de limpiar.

ENTREVISTA A DAVID LATORRE ///// ESCENARIOS DE CONDUCTA

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Centro Cultural: ¿Qué sentiste cuando entraste al Centro Penitenciario de Huesca por primera vez? ¿En qué pensaste?
David Latorre: Me sentía intrigado y expectante. Por otra parte, afortunado de poder ser participe de una vivencia tan especial en un marco con unas características tan particulares. La primera vez que tuve acceso al centro penitenciario fue con un funcionario de prisiones que me guÍo por el recinto mostrándome la totalidad de las instalaciones. Esta primera visita guiada incluyó el relato de anécdotas y experiencias vividas por el funcionario -en primera persona – que me ayudaron especialmente a introducirme dentro del contexto carcelario. Una vez solo -en el interior de la cárcel- pude sentir las cargas emocionales del lugar, cuestionando las conductas que determinados espacios plantean, tanto por su morfología como por sus usos.

C.C. Te interesan los lugares marginales, abandonados, a punto de ser demolidos. Recuperas su memoria y registras su arquitectura para la historia, además de intervenir en sus paredes artísticamente. ¿Cuál es el proceso de “inmersión” en el lugar y cómo te inspiras para realizar la intervención?

D.L: Partiendo de una vocación documentalista, la puesta en escena de mis intervenciones, producto de largos y concentrados procesos, obedece a una metodología sistémica que se adecúa a cada proyecto y que supone un riguroso componente logístico: una fase previa de aproximación física e investigación histórica respecto al lugar, generando más preguntas e inquietudes que resultados y dando pie a una actitud crítica y a una intencionalidad que direcciona el posterior desarrollo; un período de negociación y gestión de permisos; la consecución de infraestructuras básicas –agua y luz-; la puesta en marcha de las intervenciones en sí, y el permanente enfrentamiento a coyunturas como las condiciones climáticas y lumínicas o la cuenta atrás propia de la demolición prevista. La inspiración rinde respuesta directa, instintiva, al ámbito arquitectónico y contextual que acoge historias, memorias, recuerdos y sensaciones, buscando convertir el espacio en un laboratorio y yo parte del experimento.

C.C: ¿Porqué decides blanquear los espacios? ¿Es una manera de limpiar todo lo que allí ha ocurrido (abusos, torturas, personas negadas de libertad….)? También limpias tus intervenciones, los graffitis… ¿Hay un porqué?

D.L: Los espacios –enclaves idóneos dónde se realizan las intervenciones- son blanqueados obedeciendo a una línea de tiempo argumental que remite al recuerdo nítido de su pasado histórico pero lo elimina, limpia, libera, reelaborando su propia biografía como una catarsis final, como un ritual de unción y embalsamiento previo a la desaparición física. Esta acción sobre los espacios suscita el cuestionamiento de las conductas que determinados espacios plantean.

C.C: ¿Qué otros escenarios tienes en mente?

D.L: El próximo enclave a intervenir se sitúa en la Favela da Mare, en Río de Janeiro. Posteriormente regreso a Zaragoza para intervenir en las clínicas y aulas de la antigua facultad de veterinaria.

C.C: Fotografía, escultura, video ¿en qué medio te sientes más cómodo?

D.L: Actualmente, en la creación artística los modos de expresar, de interpretar y entender el proceso creativo no se encuentran arraigados a una disciplina o técnica específica, aislada de las demás disciplinas como solía ocurrir anteriormente. Sino que, se interrelacionan propiciando el enriquecimiento en el proceso creativo, ampliando los horizontes creativos. Mi modo de pensar va dirigido a esta hibridación de disciplinas.

C.C: Has expuesto en importantísimos museos, galerías y ferias de arte contemporáneo (ARCO; Photoespaña, ArtMadrid…) ¿Cómo te interesó venir a este humilde Centro Cultural de Noáin?

D.L: Emergencias es un programa expositivo que se adapta perfectamente a la socialización del proyecto “Escenarios de Conducta” y además cuenta con un excelente jurado.

ENTREVISTA A MIQUEL GARCÍA ////PRÁCTICAS DE EMPODERAMIENTO CULTURAL

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Centro Cultural: La exposición no puede estar más de actualidad por el reciente anuncio de la abdicación del Rey. En tu obra “El mensaje del Rey” has aplicado sobre una imagen de la toma de posesión del monarca, tantas capas como años han pasado desde entonces ¿Vas a dar, después de conocer esta noticia, la ultimísima capa de carboncillo a esta obra?  

Miquel García: La obra la realicé en el 2012 y en ese año la monaquía actual cumplia 36 años. No he continuado desde entonces sumando capas, aunque la oscuridad y opacidad continua siendo una de las  principales características de las Instituciones del Estado Español.

CC: ¿Ya tienes pensada alguna intervención con respecto a la abdicación?

MG:La mejor intervención sería un Referendum. Si he pensado algunas ideas, que no quiero apresurame a explicar.

CC: Viendo la intervención “La sonrisa de la Reina” me acuerdo de que cuando era pequeña tachaba las caras de los niños que me caían mal en el anuario del colegio. Solo quedaba intacta mi cara sonriente ¿podría decirse que realicé inconscientemente una Práctica de Empoderamiento Cultural (P.E.C.)?

MG: Ja,ja,ja,ja Por qué inconscientemente? Imagino qe tendrías mucha seguridad al hacerlo y con cada tachadura estabas escribiendo tu historia, remarcando los niños que no te caían bien de la escuela, empoderándote de tu anuario.
La idea de Empoderamiento cultural tiene varias lecturas, una, la de retomar la cultura y las instituciones públicas y desplazarla de los discursos hegemónicos, en ese sentido, la historia, tiene una papel fundamental, a menudo explicada e impuesta por y desde sistemas de poder, la historia no siempre es tal como nos la han contado, entender que es una construcción de una interpretación del pasado es algo que me parece primordial. La televisión ha hecho  y contínua haciendo mucho daño, se ha convertido en sinónimo de verdad, como la prensa, Intervenirla, es una forma de mostrar otra vición, otra interpretación y en ese caso, de posibilitar otra lectura cultural, o desde la cultura.

CC: En el vídeo de la “metaasamblea” ¿Con cual de los participantes te identificas? ¿Participas en asambleas, confías en este sistema para la toma de decisiones?

M.G: Me identifico con vari@s, diría que con un poco de cada un@.

Sí, participo y he participado en muchas. Creo que el sistema asambleario nos permite la posibilidad de compartir procesos de decisión y debatirlos, lo cual me parece imprescindible. En escalas pequeñas funciona y es muy operativo, en una escala mayor es más dificil llegar al consenso.

CC: La falsificación de moneda es un delito tipificado en el Código Penal, si la moneda customizada “Castillo y León” fuera introducida en el uso público ¿Reconocerías la autoría de la obra a pesar del riesgo?

M.G: La moneda tiene un valor simbólico superior al económico y eso ha hecho que no funcione la circulación de “Castillo y León”.

Sí, reconocería la autoría de la obra, la reivindicarla como acción y constataria mi disconformidad con el sistema penal, de la misma forma que la insumisión reivindicó el rechazo a realizar el servicio militar hasta la abolición del servicio militar.

ENTREVISTA A PACO RAMOS

Entrevista realizada a Paco Ramos, primer artista en exponer de la convocatoria “EMERGENCIAS 2014”.

CENTRO CULTURAL: “HOMO LUDENS” es el título de tu exposición. ¿Cómo es el Homo Ludens? ¿De qué se alimenta, cuál es su hábitat, a qué se dedica, cómo sobrevive? ¿Podría decirse que Paco Ramos es un ejemplo de “Homo Ludens”?

P.R.: El Homo Ludens es un eslabón perdido en nuestra cadena genética, pero que está vigente en nuestra memoria, como un antepasado al que podemos invocar y evocar con actos y actitudes lúdicas. La principal característica de esta especie radica en su conocimiento basado en el juego y la diversión como forma de enfrentarse a la realidad, para su propia supervivencia y mejor comprensión del mundo. Es el alma creativa, la cual se manifiesta mayormente en la etapa infantil de cada uno de nosotros.

C.C.: Si la vida fuera un juego ¿cuál sería el tuyo, un juego de azar o de estrategia, el monopoli, el escondite… ?

P.R.: No sería uno solo sino una mezcla de varios, aunque para mi el más representativo puede que sea el ajedrez, también se juega mucho al parchís y al monopoli en distintos ámbitos, así como a los juegos de azar. Caso aparte merece el deporte que es el juego más universal y al que muchos rinden culto, posiblemente por su poder competitivo.

C.C.: Tu arte es la chispa que se genera cuando juntas las mirillas de un microscopio y un telescopio. Pero son objetos cotidianos que cualquier persona puede tener en casa, ¿Eres paternalista con tus obras? ¿No tienes miedo de que te roben la idea?

P.R.: En general intento no ser Paternalista con nada, con eso entiendo no proteger lo que hago como un bien individual sino común, ya que en mi opinión las ideas no corresponden a nadie y a todos a la vez. Por este motivo no me importa si me roban una idea porque para empezar todos robamos ideas. Hay un libro que se titula “Roba como un artista” que explica muy bien como el proceso creativo es un cumulo de hurtos y apropiaciones que se ven transformadas por artistas que todos respetamos…El libro explica todo este tema bastante mejor que yo la verdad y es muy recomendable, puesto que hay muchos prejuicios en el arte sobre que uno tiene que ser original.

C.C.: En tu proceso creativo ¿Qué es primero, el objeto o la idea? Es decir, primero encuentras un objeto y lo miras hasta encontrarle la gracia o primero piensas la idea y luego buscas el objeto.

P.R.: Pues es como el acertijo del huevo o la gallina, depende del caso. A veces se me aparece la idea y la intento materializar, hacerla visible. Y otras surge del azar y de materiales que vas encontrando por ahí, creando yuxtaposiciones que puedan significar algo. En la exposición hay una mezcla de estos dos procesos, aunque ahora mismo no sabría decirte cual corresponde a cada uno.

C.C.: ¿Quién te gustaría que comprara una camiseta negra de Primark? Imagino que un policía no….

P.R.: No había pensado en ello, pero si te soy sincero no me importaría nada que fuese un policía uno de los afortunados a los que llegase la prenda, de hecho me llenaría de orgullo y satisfacción ;-). Pudiendo ser el punto en el que se cerrase un círculo perfecto, para demostrar como el azar también tiene un papel reservado dentro del juego.

ENTREVISTA CON ZALOA IPIÑA

– ¿Qué se puede ver y NO ver, en esta exposición?

En esta exposición se pueden ver obras que trabajan sobre diferentes facetas que tiene el espectro de la luz. Obras creadas con técnicas muy variadas que, como la luz, intentan ocupar el espacio ocupado y vacío. Por eso mismo verán muchas obras que empiezan en la pared (espacio ocupado) y se expanden por el espacio no ocupado.

No verán obscuridad,  ni figuración, ni pintura…

– Tu trabajo artístico es muy reconocible, siempre has trabajado una línea de investigación en la cual has ido evolucionando sin perder la identidad original. ¿Recuerdas ese primer rayo de luz que te “iluminó”?

La verdad es que no recuerdo esa primera imagen, pero sí recuerdo cómo conseguí plasmar o cómo logré recoger y materializar los primeros rayos que luego han dado paso a muchas obras muy variadas.

ZALOA IPIÑA

– En el arte es difícil mantenerse siempre en la misma línea, ¿cómo renuncias a las modas, las influencias y caprichos?

Como bien has dicho antes, mi obra es muy identificativa, y la verdad es que no lo he hecho a propósito. Pienso que el arte es evolución e investigación. Muchos/as artistas centran su investigación en temáticas diferentes, pero en mi caso, aunque tengo unos puntos conceptuales sobre los que trabajo, mi obra ha ido variando y creando un recorrido evolucionando siempre sobre la obra anterior. Intento dar siempre un paso adelante sobre lo ya realizado.

Quizás llegue un momento que esta evolución termine y decida investigar y trabajar en otras cosas. Sólo espero que mi mente me alerte de ello.

– En esta exposición podemos ver fotografía, animación, escultura, serigrafía, collage…¿Dónde te sientes más cómoda? ¿Vas a patentar la serigrafía sobre Pet?

Soy una artista multidisciplinar. No sabría decirte si me siento más cómoda en una u otra técnica, cada obra me pide trabajar de una u otra forma. Lo que sí puedo afirmar es que la serigrafía me engancha, es mi única droga,  jeje.

Respecto a la serigrafía sobre Pet…. no me lo había planteado, pero quién sabe.

– ¿Qué nos puedes adelantar sobre el proyecto de la tienda en la c/ Dos de Mayo de Bilbao?

De momento va a ser un estudio taller. Vamos a trabajar varias personas, cada una en su ámbito. Algunas trabajarán moda y artesanía y en mi caso trabajaré sobre todo en arte y en una pequeña línea de diseño de ropa interior que hemos creado mi amiga Garbi y yo. Por fin podré o podremos enseñar nuestros trabajos al público y en mi caso, por fin podré tener todas mis obras juntas sin tenerlas desperdigadas por mi casa, por la casa de aita y ama, por el garaje de mi izeko….etc.

Creo que será una buena experiencia trabajar con creadoras que pertenecen al arte y al diseño.

– Como artista jovencísima que eres, ¿cómo ves el futuro? ¿Hay apoyos para la creación? ¿Hay público y mercado? ¿Ser artista es una profesión?

Prefiero no pensar en el futuro, intento vivir o sobrevivir día a día. Hay apoyos para la creación pero cada vez menos, ya que tenemos políticos que clasifican la cultura como ocio. Y por supuesto en lo máximo que hay que recortar es en los caprichos, o sea en el ocio…. Por esto mismo afirmo que hay público y mercado, pero está fuera del Estado español.

Por supuestísimo que ser artista es una profesión. Esta pregunta es una de las grandes batallas que tenemos en la calle con la gente que ve alejado de su vida el arte y que piensa que es un pasatiempo. Es una profesión en la que estamos en constante lucha y muchas veces la tenemos que compaginar con otros trabajos o proyectos para seguir adelante.

– ¿Qué le dirías a alguien que todavía no ha venido a ver ARGIAK BLAI-BLAI?

Le diría que vaya con la mente abierta y que deje que sus sentidos sean los que disfruten de la exposición.

 

Gracias Zaloa, desde el Centro Cultural de Noáin te deseamos mucho éxito en tu carrera, es un placer poder acoger tu exposición este mes de octubre.

Eskerrik asko a todos/as vosotros/as por la oportunidad de exponer mis piezas por primera vez en Nafarroa y por todas las facilidades que me habéis dado a la hora de montar la exposición.

ENTREVISTA A CARLA ANDRADE Y LOIS PATIÑO

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CENTRO CULTURAL: ¿De dónde vienes y a dónde vas, en la vida y en el arte?

CARLA: Para mi ambas cosas están unidas… De la vida no se nada; ni de donde vengo, y muchísimo menos a donde voy. La fotografía es mi manera de relacionarme con el mundo, y una necesidad de expresión para entender un mundo del que no entiendo nada.    LOIS: Nací en Vigo, crecí en Madrid y mi formación viene del cine, la psicología y el arte. En mi trabajo y en mi modo de experimentar la vida trato de desarrollar una mayor sensibilidad hacia lo que me rodea.

CENTRO CULTURAL: “4 coordenadas del paisaje” es la exposición que presentáis en Noáin. ¿Cómo se  la explicarías a tu madre?

CARLA: Es una exposición que trata de aunar de forma general todo nuestro trabajo hasta el momento. Hemos pensado 4 conceptos que ambos tenemos muy presentes en nuestro trabajo y de esta forma cada uno de nosotros muestra como entiende e interpreta plásticamente dicho concepto. Para nosotros era interesante ver las similitudes pero también los matices que nos diferencian.                                                                          LOIS: Es una exposición que gira en torno a la idea de paisaje, de cómo nos relacionamos con él, y como lo construímos con la mirada. Carla y yo reflexionamos sobre cuatro conceptos que nos parecen fundamentales a la hora de dialogar con el paisaje: la distancia, el instante, la abstracción y la contemplación. A través sus fotografías y mis vídeos tratamos de acercarnos al paisaje desde una mirada poética.

CENTRO CULTURAL: ¿Qué es la naturaleza para ti?

CARLA: A mi particularmente me interesa la naturaleza porque la entiendo como una vuelta a nuestro yo natural, más primitivo  y salvaje y que tiene que ver con el inconsciente. Todo mi trabajo trata de moverse en la realidad insondable, porque es infinita.  Me interesa la dimensión de lo irracional, lo emocional, lo poético. No pretendo hacer ciencia, me interesa el misterio, y la naturaleza lo es.
LOIS: Un espacio vivo, con sus propios ritmos y lleno de misterio. A través de los vídeos trato de acompasar nuestra percepción al ritmo de la naturaleza, situar nuestra forma de experimentar el tiempo a partir del suyo.

CENTRO CULTURAL: Estos  trabajos (videos, fotografías) son la punta de un iceberg, y por debajo hay una gran masa de ideas filosóficas, reflexiones, conceptos. ¿Qué es más importante, lo que se ve o lo que no se ve?

CARLA: Pues precisamente a mi me interesa eso que está a medio camino entre ser y no ser  y por tanto que permanece en ese estado de devenir. La parte invisible es fundamental y es lo que da sentido y razón de ser a lo que se ve, es la metáfora de lo que se muestra; y lo que se muestra es la alegoría de lo interno.  Es lo que da la profundidad, crea las relaciones intrínsecas de las imágenes y las convierten en algo orgánico en donde fluye el movimiento. Así, como ente viviente, es inagotable. No se trata de hacer meros objetos estéticos, aunque en mi caso, la estética y más concretamente la experiencia estética tiene un papel fundamental… Se trata de trascender, de ir más allá de lo que vemos.                                                                                                              LOIS: Siempre es más importante lo que no se ve, lo que se intuye, lo que te sugiere algo sin mostrarlo. Las sensaciones que se desprenden o emergen desde la imagen.

CENTRO CULTURAL: Como pareja ARTÍSTICA: ¿dónde y cómo os conocisteis? ¿Quién sedujo a quién?  ¿Cuándo fue la primera vez?

CARLA: Nos conocimos en  Madrid en el 2009. Yo hacía fotos pero sin ninguna pretensión artística. Lois si que ya se movía en este mundo. Por supuesto, yo le seduje (…) Él vio una de mis primeras fotos y le gustó mucho, así que en cierto modo se interesó más por mi trabajo fotográfico. A mi me sedujo su curiosidad incansable y sus ansías de vivir muchas vidas en una; no pude evitar contagiarme. Enseguida nos dimos cuenta de que teníamos intereses muy similares, y de esta forma nos enriquecíamos el uno al otro, muchas veces de forma indirecta, que para mi siempre ha sido la más interesante.        LOIS: Nos conocimos en Madrid hace cuatro años y descubrimos que teníamos un modo similar de entender la vida y las mismas ganas de vivir aventuras, así que durante estos años nos volvimos inseparables. He aprendido muchísimo de Carla, tiene una sensibilidad y una intuición impresionantes. Y una capacidad de aprendizaje extraordinaria. Durante este tiempo hemos viajado a muchos países: Islandia, Suecia, Turquía, Grecia… Hemos recorrido una multitud de paisajes que nos han ayudado a reflexionar mejor sobre ellos y ha desarrollar una sensibilidad mayor en su contemplación.

CENTRO CULTURAL: ¿Cuáles son tus referentes artísticos?

CARLA: Tengo muchos y cada día surgen nuevos. Pero por ejemplo, y por el proyecto en el que estoy trabajando ahora, son una gran referencia los fotógrafos Bernard Plossu, Masao Yamamoto y Pentti Sammallahti. Los pintores Lee Ufan, Ma Yüan y Kazimir Malévich. El cineasta Peter Hutton… Filósofos y poetas como John Berger, François Cheng, Gaston Bachelard, etc, etc.                                                                                LOIS: Hay muchos autores que directa o indirectamente me interesan mucho. Suelo mencionar a cineastas norteamericanos de cine experimental como Peter Hutton, James Bening o Sharon Lockhart porque trabajan sobre la idea de paisaje desde una mirada poética en el caso del primero, y una perspectiva temporal, en el caso de los otros dos. Pero los referentes e insipiraciones provienen de todas partes, trato de que mi trabajo se alimente de diferentes artes. Turner o Rothko en pintura serían unos referentes claros, y los estudios de Bergson sobre la “duración” y el “instante” son ideas que gravitan en mi universo de trabajo.

CENTRO CULTURAL: ¿Cómo es el camino de un joven artista? ¿Hay oportunidades?

CARLA: Es un camino arduo, en el que no hay más truco que el trabajo duro y constante. Obviamente es necesario impregnarte de todo; vivir, leer, aprender, observar, viajar… Las oportunidades existen, cada vez menos, pero existen. Es importante perseguir las metas sin perder el entusiasmo. Yo aprendí a no desilusionarme ni un poco cuando no consigo algo y cargarme de energía cuando lo consigo. No es fácil pero es muy efectivo.        LOIS: Como en todos los ámbitos el camino debe estar impulsado por el entusiasmo y las ganas, sin miedo al fracaso y sin esperar nada salvo mejorar a cada obra que haces. Las oportunidades van llegando, pero no hay que esperarlas ni creer que uno las merece, hay que crearlas. Trabajar con entusiasmo.